Patrick Rubinstein est né en 1960 à Paris. Son enfance le marquera durablement et nourrira plus tard son langage artistique.

Paris vit alors à l’heure du rock britannique, du cinéma et du pop américain.

Il grandit dans une famille qui le sensibilise à l’art. Il reçoit de sa mère sa passion du cinéma, et de son père un esprit inventif. C’est lui qui l’initie le premier aux techniques de l’art cinétique. Cette initiation et la culture de sa jeunesse seront décisives dans sa création artistique future.

L’artiste puise ses thèmes dans le passé et le présent. Il cisèle ses œuvres comme un orfèvre. Et le résultat est saisissant : Patrick Rubinstein nous offre finalement une œuvre futuriste et avant-gardiste.

À 18 ans, il vend ses premières œuvres. N’ayant jamais renoncé à innover, ce n’est que bien des années plus tard que l’artiste perfectionne sa technique et son langage pour offrir aujourd’hui une œuvre internationalement reconnue.

Entre les noms Dufilho et Bugatti, il existe un lien presque palpable, qui s’est tissé par la passion de plusieurs hommes.

C’est d’abord Jacques, le grand-oncle d’Antoine, qui eut la chance de collectionner des Bugatti. Cette passion immense fut transmise à son neveu et naturellement, comme on transmet un patrimoine génétique, le flambeau est passé à Antoine.

C’est en ayant conscience de ses racines qu’un homme peut grandir. Antoine Dufilho les connaît, ses racines, qui plongent dans l’art et dans la médecine. Son travail le prouve.

Enfant, Antoine Dufilho s’initie aux arts plastiques auprès de son grand-oncle comédien, peintre et sculpteur. Plus tard, des études de médecine lui ont permis de découvrir et disséquer la complexité de la biomécanique humaine.

Des études d’architecture l’ont ensuite mené vers une nouvelle approche de la sculpture, notamment vers le travail de l’ossature, qui une fois mise à nu dévoile une succession de plein et de vide, apportant légèreté et dynamisme à la forme générale.

Antoine Dufilho est autodidacte, il expérimente différentes techniques telles que le moulage et la soudure pour bâtir progressivement l’esthétique de son art autour de cet ADN qui le caractérise ; il commence à s’y consacrer pleinement en 2012.

Cédric Bouteiller est né en 1970 à Rognac, en France. Vit et travaille dans le Sud de la France.

Cédric Bouteiller étudie les arts plastiques et la philosophie à la faculté d'Aix-en-Provence avant de voyager à New York, Londres, Paris, Tokyo et Shanghai.

Il se rapproche du mouvement artistique Street Art depuis 2009, date à laquelle Bouteiller expose à la Galerie DX à Bordeaux. Du Street Art, l'artiste prend les symboles, les graffitis, les pochoirs et les affiches. Ses œuvres s'enrichissent d'images imprimées sur de l'aluminium brossé, rehaussées de collages, de dessins ou encore de tags recouverts d'une résine translucide. Son expression artistique est un mélange de techniques différentes, une fusion entre la prise de vue photographique moderne, la peinture contemporaine, les graffitis, la retouche numérique et le collage.

Antoni Tàpies et Pierre Alechinsky font partie intégrante des inspirations de Cédric Bouteiller. Puis c'est à Arles, que l'artiste se passionne aussi pour Picasso et découvre l'influence littéraire de Cocteau.

Les voyages de Cédric Bouteiller lui permettent d'assembler plusieurs images et souvenirs embellis dans ses œuvres. L'artiste nous montre un aspect visionnaire, un résultat d'un savant mélange de vues urbaines des villes qu'il a visitées.

Cédric Bouteiller est aussi alchimiste. Une alchimie mystique pour transcender sa condition, une alchimie mystique pour élever sa conscience. Bouteiller spécule sur l'oxydation de la matière, le durcissement d'un plastifiant, l'évaporation d'une peinture.

Née à Marseille, Françoise Nielly a passé son enfance dans le sud de la France avant de venir s’installer à Paris.

Après une première carrière d’illustratrice et de photographe dans la publicité, elle prend le virage de la peinture pour réinventer le travail de portraitiste.

Elle reproduit le visage humain à coups de boutoir, de couteau balafré sur le visage. Les éclats de vie qui surgissent de ses tableaux naissent d’un corps-à-corps avec la toile.

La couleur est lancée comme un projectile. Son énergie donne à chaque touche l’intensité d’une vibration sonore.

Les taches de peinture sont des touches musicales, dissonantes et bruyantes comme la vie. Mais dans l’espace du tableau, elles s’harmonisent en un unique timbre qui, à chacun des visages, donne son âme.

Remarquée par son incroyable dextérité à manier le couteau et la peinture à l’huile, Françoise Nielly oppose, impose à la vue, ses portraits dont chacun, sous un angle différent, mais chaque fois répété, expose le violent visage de la vie.

Sculpteur contemporain, Stéphane Cipre transforme le langage en matière. Né à Paris en 1968 au sein d’une famille niçoise, il grandit sur la Côte d’Azur, terre de lumière et de contrastes qui façonne durablement sa vision artistique.

Formé dès son plus jeune âge à la précision du geste et aux exigences de fabrication au sein de l’entreprise familiale, Cipre développe un rapport direct au volume, à la contrainte et à la finition. Ce solide héritage artisanal, enrichi par des études en art et en histoire de l’art, constitue le socle d’une pratique où la maîtrise technique se met au service d’un langage visuel fort et immédiatement reconnaissable.

À la fin des années 1990, son travail évolue vers une écriture sculpturale singulière, dans laquelle le mot ne se contente plus d’illustrer : il devient forme. Lettres compressées, sanglées ou séquencées donnent naissance à des sculptures puissantes, souvent réalisées en aluminium moulé, matériau alliant luminosité et précision. À travers ces œuvres, Cipre interroge la valeur, le désir et la circulation du sens dans une époque façonnée par le commerce et la mondialisation, une réflexion qu’il définit comme “ l’art comme marchandise ”.

Son travail est présenté à l’international dans des galeries, des fondations et lors de grandes foires d’art, notamment Art Miami, Art New York, Art Paris et Art Zurich. En Europe, ses œuvres ont été largement exposées dans les grandes villes culturelles et places majeures du marché de l’art, telles que Paris, Nice, Cannes, Saint-Tropez, Aix-en-Provence, Monaco, Saint-Paul-de-Vence, Mougins et Calvi, mais aussi Genève, Zurich, Bruxelles, Knokke, Londres, Venise, Forte dei Marmi, Barcelone et Athènes. Elles sont également présentées dans des destinations alpines de renom, parmi lesquelles Courchevel, Megève, Val d’Isère, Verbier, Gstaad et Crans-Montana.

Au-delà de l’Europe, sa présence internationale s’étend à Miami, Aspen, Dubaï, Tel-Aviv, Porto Montenegro (Tivat) et Bombay (Mumbai). Son travail a notamment été présenté au sein de grandes fondations privées, dont la Fundació Fran Daurel à Barcelone et le Copelouzos Family Art Museum à Athènes, témoignant d’un parcours marqué à la fois par une reconnaissance institutionnelle et par une présence affirmée auprès des collectionneurs internationaux.

Immédiatement identifiable, l’œuvre de Cipre conjugue impact visuel et profondeur conceptuelle, tout en préservant une dimension sensible et narrative. Ses pièces figuratives et ses œuvres dans l’espace public, à l’image d’Un Dimanche à Nice, installée à Nice, témoignent de son attachement à la mémoire, aux lieux et aux émotions humaines fondamentales.

Aujourd’hui, Stéphane Cipre poursuit une œuvre exigeante et cohérente, proposant une sculpture contemporaine à la fois lisible, incarnée et intemporelle, conçue pour résonner à travers les époques, les cultures et les regards.

Erik Salin a débuté sa carrière dans le monde du Custom painting.

Déjà très remarqué et considéré comme l'une des grandes références françaises dans ce domaine pour sa créativité et sa technique, il se tourne naturellement vers l'art.

Influencé par le mouvement Pop Art, ses réalisations font aimer, partager et appréhender le monde. Ses œuvres sont résolument modernes, novatrices et contemporaines, et nous transmettent un message pour ponctuer nos réflexions.
Elles sont intemporelles.

Il parvient à faire parler de lui sur la scène artistique de notre temps : Ses œuvres sont référencées dans de nombreuses galeries, et il participe à différentes expositions sur le plan international.

Chaque création est unique, numérotée et signée.

Originaire de Marseille, Edmond Garnier construit son parcours en dehors des cadres académiques.

Très tôt, il développe une approche indépendante, fondée sur l’expérimentation et une relation directe à la matière.

Il débute par les arts graphiques, explorant des techniques hybrides mêlant aérosol, aérographe et peinture.

Sa première exposition marque un point d’ancrage : l’ensemble des œuvres présentées est acquis.

Entre 20 et 33 ans, il affirme son langage à travers des fresques monumentales, avant d’élargir sa pratique à l’espace.

Il s’oriente ensuite vers l’architecture d’intérieur, concevant plus de 200 lieux — bars, restaurants, casinos — où il approfondit sa maîtrise du volume, de la lumière et de la matière.

Le premier confinement marque un point de bascule.

Il revient à l’atelier, seul, sans contrainte.

Le geste redevient direct.

La matière reprend sa place.

Aujourd’hui, Edmond Garnier développe une œuvre construite autour de la matière comme structure.

Ses créations, élaborées par strates, intègrent pigments, reliefs et interventions manuelles, jusqu’à produire une densité presque tangible.

La surface disparaît au profit d’une présence.

Nicolas Herbé est un artiste peintre français né en 1989 à Toulon, installé et travaillant à Aix-en-Provence.
Il développe sa pratique picturale depuis 2018 et s’y consacre pleinement depuis 2021. Son travail explore le geste, la matière et le mouvement à travers une abstraction physique et instinctive, nourrie autant par l’énergie urbaine que par la mémoire, le rythme et les traces laissées par le passage.

Travaillant principalement la peinture à l’huile, l’acrylique et l’encre, Nicolas Herbé construit ses œuvres par superpositions, tensions et circulations. Ses compositions font dialoguer lignes calligraphiques, coulures, masses colorées et mouvements suspendus. La peinture devient pour lui une matière en mouvement, à la frontière entre contrôle et accident.

Son parcours initial dans la cuisine professionnelle — qu’il a exercée pendant plus de douze ans — continue d’influencer profondément son rapport à la matière et aux outils. Certaines techniques issues de cet univers, notamment l’utilisation de la poche à pâtisserie, ont été progressivement détournées et intégrées à son processus pictural. Elles lui permettent aujourd’hui de déposer la peinture directement sur la toile et de développer une écriture en relief devenue caractéristique de ses recherches récentes à l’huile.

Son univers est traversé par la culture hip-hop des années 1980 et 1990, l’énergie des grandes villes et une relation très forte au territoire. De la Provence à New York, l’architecture, les déplacements, les réseaux et les flux deviennent autant de points de départ pour penser la peinture comme une cartographie sensible.

À travers des séries telles que Ligne 36 et ses recherches récentes autour de l’huile et de la matière, Nicolas Herbé développe un langage abstrait identifiable, dans lequel le geste conserve une dimension spontanée tout en s’inscrivant dans une construction précise de l’espace.

Son travail est présenté en galeries, lors d’expositions et de projets hors les murs en France. Il développe parallèlement des performances et live paintings qui replacent le geste au centre de l’expérience de l’œuvre.

Après plusieurs années consacrées à structurer et approfondir son langage pictural en France, il engage aujourd’hui une nouvelle étape de son parcours à l’international, notamment à travers un projet de production et d’immersion à New York. Cette recherche vise à confronter sa pratique à une nouvelle échelle urbaine, créer un nouveau corpus de peintures et développer des échanges durables avec artistes, curateurs, galeries et collectionneurs.

Artiste depuis près de 30 ans, Tamaz Avaliani a développé une technique très personnelle de peinture au stylo bille, qui rend son style particulièrement reconnaissable. Cette technique, impressionnante, se décline en couleurs dans sa série majeure, “ Dialogue with an artist ”.

Une série expérimentale, pensée à la fois comme une réflexion sur l’Art de génies intemporels (Matisse, Cézanne, Walt Disney...) mais aussi comme un moyen, pour Tamaz Avaliani, de grandir en tant qu’artiste, en explorant la créativité et les techniques de ses pairs.

Réfugié d'Ukraine, où il a vécu et travaillé de 2009 jusqu'au début de la guerre en 2022, Tamaz Avaliani vit actuellement à Paris.